Impresionismo y modernidad. Comparación de dos obras: Gustave Caillebotte y Claude Monet

Tal como señala Charles Harrison, en el París de la década de 1870 el concepto de arte como “impresión” se asociaba a un reconocimiento “moderno” de la condición subjetiva de la percepción o de la experiencia, vinculada a una mirada personal y espontánea. En este sentido, “impresionista” era cualquier artista que utilizara una técnica no convencional para reflejar una visión del mundo al mismo tiempo instantánea e individual. El nombre impresionista terminó identificándose con este movimiento concreto cuando se aplicó a un grupo de artistas que, en 1874, participaron en una exposición “independiente”, es decir, al margen del Salón de pintura oficial celebrado año a año. Esa fue la primera exposición organizada por la recién fundada Société anonyme des artistes, peintres, sculpteurs, graveurs, etc., quienes solo adoptaron la denominación de “impresionistas” en la tercera de estas exhibiciones, en 1877. Entre los expositores de la primera muestra estaban Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pisarro, Alfred Sisley y otros artistas a los que luego no se identificó como impresionistas: Edgar Degas, Brethe Morisot y Paul Cézanne.

En Francia, la mayor parte de los críticos eran conscientes de que la idea oficial –la del Salón– respecto de lo que se consideraba un cuadro bien terminado estaba anquilosando el desarrollo de la pintura. La independencia y la originalidad se habían convertido en los principales valores defendidos por la crítica. En el París de 1870, la fidelidad a una impresión subjetiva del mundo pasó a convertirse no solo en la forma de medir la “originalidad” de los artistas renovadores, sino también en una condición indispensable para ser moderno. Los cánones de verosimilitud, las convenciones tradicionales y la jerarquía de géneros y temas que se manejaban en el Salón (con la pintura de historia en la cúspide) resultaban cada vez más acartonados y menos acordes a la modernización de la vida urbana.

Si comparamos dos telas exhibidas en la exposición independiente de 1877 que toman el mismo motivo urbano –el nuevo puente de Europa, en París–, esta cuestión resulta menos abstracta. La diferencia entre la pintura de Gustave Caillebotte y la de Claude Monet (1840-1926) salta a la vista.

GUSTAVE CAILLEBOTTE, EL PUENTE DE EUROPA (1876), ÓLEO SOBRE TELA, 125 X 181 CM. PETIT PALAIS, GINEBRA

CLAUDE MONET, EL PUENTE DE EUROPA. ESTACIÓN SAINT LAZARE (1877), ÓLEO SOBRE TELA, 64 X 81 CM. MUSÉE MARMOTTAN, PARÍS

Al momento de la exposición, El puente de Europa de Gustave Caillebotte despertó comentarios respecto de la escena representada. El cuadro más tradicional de Caillebotte nos presenta el tema (el galanteo de la pareja que camina sobre el puente) antes que el modo de ejecución, basado en la perspectiva y el claroscuro.

En cambio, la pintura de Monet tiende a excluir cualquier tipo de interpretación anecdótica del tema en cuestión. Esta obra, realizada por medio de pinceladas gruesas y una composición poco ortodoxa (la locomotora aparece cortada, por ejemplo), no abandona la representación de la ciudad pero se nos presenta primero como superficie pintada. Este modo diferente de pintar implicó (y estuvo ligado a) un cambio importante en los modos de ver de la época. Pinturas como las de Monet continuaban el proceso de desnaturalizar las convenciones académicas y poner en evidencia la ausencia de una representación “transparente”. Menos narrativa y más visual, la pintura impresionista se volvía sobre los recursos que le eran propios: el color, el toque, la planitud. Ahora bien, uno de los problemas centrales que se plantearon los impresionistas fue cómo combinar una pintura moderna concentrada en sus propios recursos, por un lado, con la representación de temas modernos, por el otro.